在当今社会，艺术教育不仅仅局限于传统的绘画、音乐和舞蹈等领域，它已经成为一个多元化和跨学科融合的体系。随着时代的发展，人们对于艺术教育的需求也在不断变化，而这是否意味着我们应该重新思考艺术教育是师范类还是非师范类的问题呢？

首先，我们来看一下传统意义上的艺术教育。传统上，很多国家和地区将艺术教育归为“师范类”，即学生通过专业课程学习后，可以获得教师资格证书，从而有资格教授其他学生。这一模式下，学生通常会接受更深入的理论知识和实践技能培训，以便能够独立教学，并对未来的学生进行有效指导。在这个过程中，对于如何培养优秀教师、如何设计优质课程以及如何评估教学效果等问题，都被放在了非常重要的地位。

然而，这种模式也有其局限性。例如，一些批评者认为这种模式过分强调理论知识，不够重视创造力和创新能力。而且，由于学校资源有限，有时候只能提供有限数量的人才出路，这可能导致一些天赋异能但又缺乏机会的人无法得到充分发挥自己的空间。

此外，还有一种观点倾向于将艺术教育定位为“非师范类”。这种观点认为，真正重要的是让每个人都能接触到美术、音乐、戏剧等各种形式的手艺，无论他们之后是否成为职业教员。在这样的背景下，比如说，在公立学校里，每个孩子都可以免费参与一次周末的小提琴课或手工艺作坊，即使这些老师并不是经过正规训练，也许他们本身就是业余爱好者或者是在某个特定领域有所专长的人。

这种方式虽然减少了对专业教材和教学方法培训的一般化要求，但却可能因为缺乏系统性的指导而导致信息量过载，让人难以从海量内容中挑选出最适合自己兴趣和能力水平的部分。此外，由于没有明确界定的标准，对待这方面工作人员往往处境复杂，他们需要同时具备良好的沟通技巧去理解不同层次用户的心理需求，以及足够高级别的大众文化素养去判断哪些活动更符合大众喜好。

总之，将artistic education（无论是指具体形式还是广义上的）作为一种新的学科体验来推广，将会带给我们的生活更多可能性，同时也要面临新的挑战。因此，无论是选择保持现有的师范制度还是尝试引入新型非正式导向，我们都需要考虑到这些变革背后的目的——提高全民参与度提升文化品味，以及培养出既懂得表达自我，又能够尊重他人的社会成员。如果我们能够做到这一点，那么不管artistic education被归为哪一类，其影响力都会显著增强，为构建更加包容与多元化的社会贡献力量。