在探讨艺术品的概念和特点之前，我们需要先了解它是如何从古代演变到现代的。历史的长河中，人类对于美、意义以及创造力的理解经历了巨大的变化，这些变化直接影响了我们对艺术品的定义和欣赏。

自远古时期起，人们就开始用石头雕刻动物形象，用颜料涂抹洞穴壁，以此来表达他们对自然界的敬畏与尊重。这些早期作品虽然简陋，但已经展现出一种原始而又独特的审美感受，它们不仅仅是一种工具使用或宗教仪式的一部分，更是人类文化传承中的重要组成部分。这一点，也许可以被视为最初形式上的“艺术品”的雏形，它们代表着人与环境之间最基本的情感联系。

随着社会文明发展，人们开始认识到艺术有其自身独立于日常生活之外的地位。例如，在古埃及、希腊罗马等文明中，雕塑成为了一种重要形式，它不仅用于宗教崇拜，而且还表现了社会阶层间权力差异。这种由政治、经济和社会因素驱动的人类活动，可以说是第一种以“艺术”这一名称进行系统性的实践。在这个阶段里，“艺术品”的概念更多地体现在其作为装饰物或者纪念碑上，而非单纯为了个人的情感表达。

到了中世纪之后，一系列宗教改革和启蒙运动导致了对知识与创造力的重新评估，这一过程为现代艺术奠定了基础。在这一时期内，对于“神圣不可侵犯”的信仰逐渐消失，取而代之的是理性思维与科学观察。在这种背景下出现了一批具有革新精神的人物，如莱昂纳多·达芬奇，他将工程学、数学与绘画结合起来，为后来的绘画技法打下坚实基础。而佛洛伦萨复兴期间出现的大师如米开朗基罗，则在雕塑领域推出了前所未有的高超技术，使得雕塑家们能够实现更加精细化大型作品。

19世纪末至20世纪初，是西方现代主义运动的一段关键时期。这一时期，不同国家不同地区产生了一系列新的流派，如印象派（法国）、野兽派（法国）、立体主义（俄国）等，他们共同挑战传统绘画技巧，并试图找到新的表现方式。其中，最著名的是毕加索，他提出了立体主义理论，将事物分解为几何形状，从而改变人们看待世界角度。此外，梵高通过他的色彩运用，让抽象表现成为可能。他认为：“色彩不是为了描绘事物，而是为了激发感情。”这也标志着“意境”、“感觉”甚至是不言而喻的情感表达成为一个新的标准，其核心内容就是要让观者深入思考，而不只是简单地欣赏视觉效果。

进入20世纪后半叶，我们看到了一股强烈的全球化潮流，无论是在东方还是西方，都有许多不同的文化元素融合进了当下的创作当中。这使得所谓的“跨文化交流”，成了一个非常热门的话题。当今世界上，没有哪个地方能够孤立自己免受其他文化影响，因为信息传播速度极快，每一次交往都带来了无数可能性。而这样的情况，也促使我们不断去探讨什么才算是一个真正有效地反映时代精神，同时又保持个人风格独立存在的事物——即今天所说的“原创性”。

总结来说，“历史回顾：如何演变成现代艺术品概念？”是一个关于时间轴上的迈向，从原始的手工艺产品到高度抽象化的大师级别作品，再到今日全球范围内各具特色且互相影响的小众集体，每一步都是建立在前人遗产之上并不断创新突破。如果没有过去，那么我们的未来就会缺少根源；如果没有根源，那么我们的未来也不会充满生命力。不管怎样看待，只要能持续寻找并发现那些让人心动的事情，那么每一件作品都能像永恒一样活下去，即便是在接下来的岁月里，被忘记或再次被发现。

因此，当我们谈论今天关于artwork (术语指任何类型手工艺制成商品) 的话题时，无疑会涉及这样一些问题：1. 如何定义artwork？2. 什么决定一个工作是否被认为是一件artwork？3. 在这个过程中，我们应当关注哪些方面？

最后，我想提出几个具体的问题供大家深入探讨：

我们是否应该把所有人类制造出的东西都称作artwork？

或者，只有那些经过某种特殊认证才能称作artwork？

如果答案在于认证，那么谁来做这个认证呢？

认证标准是什么？

这些问题本身就是我们追求"正确"理解"artworks"的一个过程，就像我刚刚提到的那样，在追求完美理解之前，还需继续深入考察。我相信，有关这些建议提供给您，如果您愿意进一步研究，您会发现更好的答案，以及更广阔的心灵空间。但愿您的旅程愉快！