在当今社会，随着文化产业的迅猛发展，艺术教育作为培养未来艺术人才的重要途径，其课程设置和教学方式成为了各界关注的话题之一。尤其是在“艺术教育是师范类还是非师范类”这一问题上，有许多人提出不同的看法。我们将从几个角度出发，对这一问题进行深入探讨。

首先，我们要明确的是，“师范类”与“非师范类”这两个词汇在中文里通常指的是两种不同类型的人才培养模式。在中国高等教育体系中，师范类院校主要负责培养教师，而非师范类院校则更加注重学术研究和专业技能的提升。在这个背景下，我们来看看这两者对于艺术教育来说意味着什么。

一、关于教师性质的问题

如果说一个人的职业身份决定了他们对待工作的态度和方法，那么老师显然更倾向于选择师范类。这一点体现在以下几个方面：

教育理念：传统意义上的老师往往更重视基础知识与技能的教授，以及如何通过这些知识为学生打下坚实的基础。而这种观念很自然地引导人们认为老师应该是通过正规化、系统化地学习而获得认证，从而有资格成为正式教师。

教学经验：对于未来的音乐家或画家来说，他们可能会觉得自己更多的是需要在学校以外的地方去学习，因为学校教室里的环境并不完全适合他们自由发挥创意。但若是一个人选择了以后的职业生涯就是一名老师，那么他/她可能会选择接受专业训练，以便能够更好地理解孩子们的心理状态，并且提供最有效率的地面授教学。

职业发展：一般情况下，选修过一定量课程并毕业于某个特定领域（如音乐或者绘画）的学院可以被认为已经具备了一定的教学能力，这使得那些想要成为长期从事此行业的人员可以直接进入职场。而那些只想短时间内参与此行业但不想终身专注于此的人，则可能更偏向于没有经过正式培训即可开始创作或表演。

二、关于个人创造力的问题

然而，不同的声音也提出了另一种观点，即artist（即那些只专注于自己的作品创作而不是教书的人）也是非常重要的一部分。这涉及到个人才能释放以及创新精神的问题：

创新驱动力：大多数成功艺人的起点都是自我激励，他们追求的是个人的梦想，而不是因为有责任感去完成某项任务。因此，如果我们强迫每一个人都必须要经过一次这样的严格筛选过程，也许就会压抑一些真正天赋异能的人士无法展现出他们真正所长？

创意空间限制：如果我们的整个教育体系都围绕着是否能担任未来教师这一点来设计，那么这样就限制了很多学生——特别是那些比其他同学早知道自己想要做什么的事情——去充分利用他们独特的声音和视角。换句话说，如果所有学生都被要求走同样的道路那么就不会有人愿意冒险尝试新的东西，不会有人愿意挑战既定的规范。

三、关于综合素质的问题

最后，让我们思考一下，在现代社会中，我们是否真的需要把artistic talent（美术才能）和teaching skill（教学技巧）分开？这是一个值得深思的问题，因为实际上这两者之间存在着密切联系：

实践经验与理论知识相结合：好的音乐老师不仅懂得如何教授乐器，更懂得如何用乐器教授；优秀的绘画教练不仅熟悉各种颜料技巧，更了解色彩理论。如果将artistic talent 和 teaching skill 结合起来，就意味着每位teacher 都同时拥有strong artistic abilities 和 strong pedagogical skills.

促进跨学科交流与合作: 在当前全球化的大背景下，每个领域都越来越互相关联，因此无论是作为artist 还是teacher，都应当具备跨学科沟通能力，使之能够在不同领域间流动并进行有效沟通，这样做不仅增强了自身价值，还能促进整个社会文化发展水平提高。

结语

总之，当考虑到art education时，无论哪种类型—那都是为了帮助年轻人找到自己的路线图，将那个小小的心灵引领到世界舞台上。一方面，要确保我们的education system 能够为未来art world 提供合格且富有潜力的talent; 另一方面，我们还必须记住，每个artist 的旅程都是独一无二不可复制的事物，它们代表了人类情感的一部分，是无法用任何标准化考试评估出来的事物。此外，由于是针对具体情境调整我们的政策，比如让arts education 更多地聚焦于developing individual creativity rather than preparing students for careers as teachers, 将极大推动arts development，同时也满足社会对arts人才需求的一个层次性增长。