在探索艺术一词最早来源于古希腊时，我们也不能忽视那些在后续时代对其含义和理解产生重大影响的重要事件。从语言演变到文化交流，再到社会变革，每一次转折点都为我们今天所认识的“艺术”概念注入了新的血液。

首先，自然哲学家柏拉图与他的学生亚里士多德对于美学的理论基础奠定了坚实之基。这两位哲学家不仅开创了西方哲学史上的辩证法，还将其应用到了审美领域。他们认为，理念是宇宙中最高形式存在，它们通过被塑造成物质形态而实现自身完满性的表达。在这种观念下，“艺术”就不再仅仅是技术或技艺的一种表现，而是更接近一种精神追求，与人类心灵深层次的情感联系紧密。

随着时间推移，罗马帝国的扩张与文化融合进一步丰富了欧洲地区关于“艺术”的讨论。罗马人借鉴并吸收了一系列不同的文化元素，这包括希腊、埃及、印度等地的风格和技巧。这一过程中的交流促使人们开始思考不同文明间美学价值观之间可能存在怎样的相似性以及差异性，同时也为后来的现代主义运动打下了基础。

中世纪时期，对宗教主题进行绘画的人类需求导致了一系列新兴艺术流派诞生，如哥特式和罗曼式建筑，以及如同神秘主义者般沉浸于细节的小画师如乔托等人的作品。在这段期间，“圣经故事”的描绘成为一种特殊形式的心灵表达方式，它同时也是对现实世界意义超越性的探索。

文艺复兴时期标志着一个新的时代——重新发现古典传统与理想化个体肖像画像。布鲁内莱斯基、米开朗基罗、大卫·温克尔巴赫这些伟大的雕塑家用他们精湛的手工艺，将人物塑造成具有动力和情感表达能力的人物群像，从而揭示出人性之本质。而此时期出现的人文主义思想则强调个人才能与智慧作为实现社会进步的关键因素，这直接反映在当时关于“艺术”的讨论中，即它不再仅局限于宗教主题，而是广泛延伸至各个领域。

启蒙运动带来了科学方法论，并且逐渐渗透到了审美理论中，使得人们开始寻找客观规律来解释审美经验。启蒙思想家如伏尔泰、卢梭提出了关于品味（taste）、情感（sentiment）以及道德（moral）的关系，他们主张审美应该基于理性分析而非单纯的情感反应，这一点极大地改变了后世对"art"这个词汇理解的方式。

19世纪末至20世纪初，现代主义运动全面爆发，其核心要旨之一就是挑战传统价值体系，不接受任何固有的认知模式。此阶段见证了一系列革命性的创新：立体主义、抽象表现主义、超现实主义等各种前卫派别涌现，其中每一个都以自己的独特方式重构我们的理解界限，为今日所谓"art"提供无数可能性。但这种解构同样引发争议，让一些保守势力感到不安，因为它似乎是在颠覆甚至抹杀所有过去建立起来的事物与价值观念。

最后，在21世纪初，我们可以看到全球化背景下的跨文化交响作用正在不断加剧。一方面，这给予我们更多机会去学习其他国家传统手工艺技术；另一方面，也意味着某些地方的小众或者地下流派有机会得到国际关注，从而改变全球视野中的定义标准。如果说早期对于‘藝術’概念最早来源的问题是一个字面意义上的考察，那么现在我们必须考虑的是如何处理这种日益多元化的心灵空间，以便更好地适应未来的世界秩序要求，更深刻地触及人类心灵深处那不可言说的欲望——即使这意味着需要重新定义我们目前拥有的‘藝術’这个词汇及其含义内容本身。

总结来说，没有哪一个单一事件能够独立决定“藝術”这一术语发展方向，但它们共同组成了一个连贯但又充满变迁的大河。当今社会，我们正处于这样一个自我反思阶段，对於過去經歷與當代現象進行整合，以創造一個全新的對於「Art」這個詞彙意義與實践範圍內容觀點。不管未来会发生什么，只有一点可以确定，那就是随着时间推移，“Art”这个概念将继续演进，它将始终保持开放态度，无论是在名义上还是实践上，都会迎接着来自世界各角落的声音，是这样的奇妙历程，也正因为如此才让人期待持续探索下去。