在探讨这个问题之前，我们首先需要明确美术教育属于什么类别。美术教育作为一种特殊的学科，它不仅仅局限于传授技巧，更是旨在培养学生的审美能力、创造力和创新思维。从学科体系中看，美术通常被归类为艺术类或者文化与社会科学类，这反映了它与其他学科之间的区别以及其独特的地位。

然而，在实际操作中，关于如何将美术教育纳入到学校课程体系中的具体做法却存在着差异。不同的国家和地区有着不同的政策规定。在一些国家，比如美国和加拿大，艺术课程往往作为必修课的一部分，被广泛地教授给学生。而在欧洲某些国家，如英国，其对艺术教学的重视程度可能不及前者，但仍然认为它是一门重要的基础技能。

这背后隐藏的是对“必修”与“选修”的理解不同。在一些地方，将一个领域定义为“必修”，意味着所有学生都必须接受该领域的学习，而不会根据个体兴趣或能力进行选择。但另一方面，如果将其定性为“选修”，则意味着学生可以根据自己的喜好来决定是否参与这一课程。这两种分类方式各有其优缺点。

如果一门学科被定义为必修，那么它通常会得到更大的资源投入，有助于保证教学质量。但这种强制性的安排也可能导致有些学生对于该领域没有热情，从而影响他们对此项学习的投入度。此外，对于那些未来可能追求相关专业的人来说，由于早期接触不足，他们可能因此错失了深入了解并发展技能的大机会。

相反，如果一门学科被设定为选修，那么它就更多地依赖于个人兴趣驱动，也许能够激发出更多潜能。不过，由于不是所有人都会自愿选择这样的课程，因此相关资源分配可能会更加有限，这也限制了教学内容和水平提升。

那么我们应该如何权衡这些因素？面对这样一个问题，可以从以下几个角度考虑：

教育目标：确定我们希望通过美术教育实现哪些目标，是为了提高审美能力还是培养创造力？这是设计教材、设置评价标准以及评估效果时最核心的问题之一。如果我们的目的是提高整个社会群体的审美水平，那么无论是通过全员普及还是针对感兴趣者的精英化路径，都有其合理之处；如果我们的目的是产生具有专业水准的人才，则只提供高质量且专注于专业技能训练的话题才是关键。

学生需求：每个人的兴趣、能力和未来职业规划都是独特且多变的。因此，让孩子们自由选择他们感兴趣的事情，可以让他们更加积极主动地参与学习过程，并最大限度地利用个人优势去开发所需技能。但同时，要确保那些未来的艺术家或设计师等专业人才能够获得必要的一般知识背景，以便后续深入研究时能够建立坚实基础。

社会需求：社会对于不同类型人才（包括但不限于技术人员、管理人员等）的需求也是不断变化。随着科技进步带来的新挑战，以及全球化经济竞争日益激烈，一些传统行业正在寻找新的解决方案来适应市场变化。这就要求我们重新思考现有的教师培训计划，以及如何引导年轻人发现并发展自己在这些新兴领域中的潜能——即使这并不直接涉及到纯粹艺术创作本身，但是它们同样需要跨越多个流派甚至跨界合作才能完成复杂任务。

政策制定：政府政策应当基于以上几点综合考量，并结合当下社会环境下的实际情况制定相应措施。当政策决策层面上充分考虑到了不同群体（包括教师、学生及其家长）的利益，并尽量平衡各种立场之后，便可以逐步推行既符合长远发展又符合短期实施效率的一套制度框架，其中包含了关于是否将某项活动设定为必备还是可供选择的情况分析结果来指导决策过程，即使这种系统性调整过程很难一次性完成，但至少要朝向一个方向努力，不断改进以达到最佳状态，使得每个人都能享受到最高级别、高效率、高质量的地平线上的服务，而非低劣粗糙的情景，每一步迈向前方都是宝贵财富累积之源泉！

综上所述，无论是在理论上还是实践中，将任何一门知识分支标记成「必需」或者「可选」都不是简单的事务，它牵涉到整体文化价值观念、社群认同感以及政治经济结构等多方面因素，而且随时间推移还伴随着不断演变。在这个快速变化世界里，我们需要持续关注这些议题，不断更新我们的理解，为未来的世代奠基稳固而又灵活适应的手段。