在人类历史的长河中，艺术这一概念一直是文化交流和发展的重要组成部分。艺术一词最早来源于古希腊，其含义与我们今天理解中的不尽相同，那时它指的是“技术”或“技能”，而非如今所广泛认为的纯粹形式上的审美表达。

古希腊与罗马时期

在古希腊，艺术被视为一种技艺，一种能够使人达到某种完美状态的手段。例如，雕塑家们通过精细的手工艺将理想化的人物形象铸造成石头中，而建筑师则运用数学原理和几何知识来建造宏伟的神庙。这些作品不仅展现了高超技巧，更体现了对比例、平衡和谐等美学原则的追求。在这期间，雕塑家像菲迪亚斯（Phidias）和画家像波提切利（Poussin）的作品，为后世留下了深刻印象，并且影响到了罗马帝国时期人们对于艺术表现手法的一些革新。

中世纪与文艺复兴

随着时间推移，当文明衰落并进入中世纪时，对于“艺术”的定义发生了变化。这一阶段的人们更多地将其视作宗教仪式的一部分，或是用于装饰教堂壁画、雕塑等宗教场所。而文艺复兴时期标志着西方文化重拾古典智慧，这一过程也带来了对自然主义、人体解剖学以及绘画技巧的大量改进，如拉斐尔（Raphael）、米开朗基罗（Michelangelo）的作品就展现出了一种新的审美观念，它们强调情感表达、动态构图以及人物心理内心世界。

浪漫主义与印象派

浪漫主义运动是在19世纪初期出现的一个重要文化现象，它重新唤起人们对于自然景观及情感表达方面的关注。这一时代的人文学术界倡导个人情感和直觉性创作，使得诗歌、音乐乃至绘画都有机会成为直接反映个人的内心世界的手段。同时，印象派运动也逐渐形成，他们更注重光影效果，以及捕捉日常生活瞬间的情境，这些特点极大地丰富了当代视觉语言，同时也是现代抽象表现主义之路上的前驱者之一。

现代抽象表现主义

20世纪初叶，由美国阿尔弗雷德·史蒂芬森（Alfred Stieglitz）主办的一系列展览，为抽象表现主义奠定了基础。在这个阶段，“艺术”开始从实用性转向纯粹形式存在，即便这种形式并不具有直接意义，但却蕴含着独特的情感表达或思想传递。在此背景下诞生了一批著名的现代派先锋，如保罗·克利（Paul Klee）、乔治·巴泽比茨（George Bazebyts），他们打破传统规范，将色彩作为主要媒介进行创新性的实验。

后modernism及其后续发展

20世纪末至21世纪初，“后现代”思潮席卷全球，不再遵循单一而固定的风格标准，而是崇尚多元化、异质性，以及对过去事物以不同的角度进行再次思考。因此，在这一跨越不同文化边界的心灵探索中，“艺术”的定义变得更加宽泛，从而促成了包括街头涂鸦到电子游戏在内各种各样媒体形式得以融入我们的日常生活之中。

当代数字媒体时代下的创意空间扩张

在互联网、大数据、高科技革命带来的深远影响下，我们正处于一个全新的信息流通环境之中。“艺术”已经渗透到了每个角落，无论是虚拟现实(VR)、增强现实(AR)还是社交媒体平台上所有内容分享，都能看出人类对于如何通过技术手段呈现自我、故事以及观点不断寻找新的可能性。当我们谈论“艺术”，我们实际上是在讨论这个不断演变的话题如何适应我们的社会需求，同时又保持其核心价值——即无需言语即可触动灵魂的情感共鸣能力。

总结来说，从最初关于技巧的问题到现在关于情感表达和思想交流的问题，“artistic creation”经历过多次翻转，每一次翻转都是由历史事件、新思想、新媒介引发。但无论其面貌如何变化，其本质——那是一种让人类精神得到释放并通过他人精神获得共鸣的事业，却始终未曾改变，也不会改变，因为它就是生命本身不可分割的一部分。