在美术教育中，色彩是最基本也是最重要的元素之一，它不仅能够直接影响作品的审美效果，还能间接地表达出艺术家内心深处的情感和思想。因此，理解和掌握色彩理论对于学习者来说至关重要。

首先，我们需要明确“美术教育主要学什么”。这并不是一件简单的事情，因为它涉及到广泛的领域，从绘画技巧到历史文化，从心理艺术到视觉营造。然而，如果我们必须要挑选一个核心点，那么我会选择说：“颜色的使用与运用。”因为正是通过对色彩的正确运用，学生们才能更好地展现自己的想法，并将其转化为视觉上的形象。

让我们从基础开始。在小学阶段，对于大多数孩子来说，他们还没有形成完整的色彩概念。这时老师应该引导他们去感受不同颜色的感觉、情感以及它们之间相互作用的情况。例如红黄蓝，这三种颜色的混合可以产生不同的光谱效应，这就是为什么在儿童绘画中常见这些颜色的原因。而当孩子逐渐长大，他们需要学会如何使用这些基础知识来创作更加复杂而有层次感的作品。

到了中学阶段，学生们已经具备了较为系统的地理空间知识，可以进一步学习关于比例、构图和透视等高级主题。此时，老师可以引入一些专业性的课程，如水粉画、油画等，以便让学生更深入地体验不同的媒介特性，并且通过实践提升技术水平。不过，不论是在初级还是高级阶段，最重要的是培养学生对色彩本质的一种直观理解，以及如何根据作品内容灵活应用这种理解。

在大学阶段或艺术学院，当学生们准备踏上职业生涯之路时，他们需要面对更加严格和精细化的地道专业训练。在这个过程中，他们会被要求探索更多关于色调搭配、价值变化以及整个作品结构设计等方面的问题。此外，他们还可能被鼓励去思考现代艺术中的抽象表现主义，或是其他各种各样的流派，以及它们如何利用新的视角来重新定义传统意义上的“颜料”。

最后，在实际教学实践中，无论是在课堂还是工作室，都应当重视教师自身对新材料、新技术、新趋势保持开放态度。随着科技进步，一些新的工具和方法不断出现，比如数字绘图软件或者3D打印技术，它们都以独特方式改变了我们传统所说的“绘画”这一事物，使得古老而又神秘的原则得以更新与融合。

总之，“美术教育主要学什么”，并不只是单纯回答一个问题，而是一个涉及方方面面的综合体验过程。在这个过程中，我们不仅要了解理论，更要把理论付诸实践；不仅要欣赏别人的杰作，更要自己动手创造出属于自己的风景；不仅要遵循规则，更要勇于打破界限。当你真正站在那个充满光芒与梦想的地方，你才会发现，那个地方其实一直就藏在你的内心深处，只是你还未意识到那一刻。你是否愿意跟随我一起走进那个充满无限可能的地方？