笔下千言，墨中千言——文艺复兴时期对艺术定义的看法

在文艺复兴时期，一股强烈的文化与艺术革命席卷欧洲，这个时代不仅见证了人类学、科学和哲学等多个领域的巨大进步，也是艺术创作和理论发展的一个重要阶段。在这个过程中，对“艺术”的定义发生了深刻的变化。我们将探讨文艺复兴时期对“艺术”这一概念的五种不同理解，并分析它们如何影响当时以及后来的美术创作。

1. 传统观念：模仿古典

在文艺复兴初期，许多画家仍然遵循着古代希腊罗马雕塑家的技法，他们试图通过模仿这些古老作品来追求完美。这一观念认为，真正的艺术应当是对自然现象或神话故事精确再现的一种技巧性表达。例如，列奥纳尔多·达·芬奇在其著名作品《蒙娜丽莎》中，就展现了一位优雅女性静谧微笑的情景，其细腻描绘手法正是在这种传统观念指导下的产物。

2. 人类主义：反映人性

随着时间推移，人们开始关注更加贴近人性的主题。如乔治·瓦萨里所述：“最伟大的画家总是在自己的心灵深处寻找灵感。”这意味着，“真正的”艺术应当是从个人情感出发，对社会、政治和宗教生活进行批判性反思。在拉斐尔这样的画家作品中，我们可以看到他们通过精致细腻的人物肖像来展现人物内心世界，这体现了这一新的审美标准。

3. 宗教启示：宗教主题与道德教育

宗教对于文艺复兴时代尤为重要，它不仅影响到文学和哲学，还渗透到了视觉艺术之中。许多画家被鼓励用他们的手笔讲述圣经故事，以此作为一种道德教育工具。而且，在一些场合下，被认为能够表现出某种精神纯洁性的宗教主题也被视为高级美术形式。此举体现在安布罗吉奥·卡尔拉奇（Ambrogio Carracci）的《最后审判》上，该作品以其宏伟壮丽而著称，为当时人们提供了一幅关于末日审判后的宇宙秩序安排图景。

4. 科学探究：自然界研究

随着科学革命不断推进，如伽利略发现天体运动规律等重大成就，使得自然界成为新时代观察点之一。当代思想家们开始提出新的问题，比如如何捕捉光线如何照射于事物，以及色彩如何在空间关系中的表现。这一点特别体现在莱昂纳多·达芬奇早年的科学实验记录书写上，他使用详尽描述眼睛工作原理并尝试解释颜色的作用，从而揭示出了他对于色彩定位及应用极高评价。

5. 理想化梦想：乌托邦与浪漫主义

同时期还有另一个趋势，那就是理想化梦想或乌托邦倾向。它涉及到一种超越当前世俗生活状态，更接近理想状态或者未来的愿望式构建。这一趋势不仅限于文学，如意大利诗人阿里戈诺斯蒂（Ariosto）所创作的小说《奥兰多》，以及英国诗人埃德蒙·斯宾塞（Edmund Spenser）所写的大型史诗《红宝石骑士》（The Faerie Queene），都代表了这一方向。但同样地，在绘画方面也有类似的表现，比如米开朗基罗设计室内装饰壁画，其中充满了未来世界之幻影，而他的壁画则暗示着一种希望、信仰乃至救赎力量存在于更广阔宇宙之中的思想方式。

结论：

尽管每一个段落都有不同的侧重点，但它们共同构成了那个历史时期对“什么是美术”的各种看法及其背后的动机与信仰系统。在整个文艺复兴期间，无论是技术上的革新还是思想上的变革，都无疑改变了我们的理解方式，同时也让我们认识到“艺术”这个词汇背后蕴含的是深层次的人类情感、社会需求以及历史条件综合作用结果。在之后几百年间，无数现代流派各自借鉴这些经典智慧，不断拓宽并重新定义我们今天眼中的“藝術”。