在探讨现代艺术家如何挑战传统艺术形式之前，我们首先需要理解什么是传统艺术和现代艺术。传统艺术可以追溯到几千年前，主要包括绘画、雕塑、文学和音乐等。这些作品往往反映了社会的价值观、宗教信仰以及文化习俗，而其创作方法也较为固定。

相比之下，现代艺术则是一个更为广泛和多元化的术语，它涵盖了从20世纪初期开始发展的一系列新的视觉语言和表现手法。这种变化不仅体现在技术上的创新，也体现在对内容与形式的重新思考上。

那么，现代艺术家们又是怎样挑战这些传统美学标准呢？我们可以从以下几个方面来探讨：

1. 技术创新

在20世纪初期，随着印象派、立体主义等运动的兴起，许多画家的作品就已经开始显现出一种对色彩及光线处理技巧的大胆尝试。这一时期还出现了如达利（Salvador Dali）、毕加索（Pablo Picasso）等名家的超现实主义与立体主义，他们通过扭曲形状和空间关系，为人们呈现了一种全新的视觉感受。

2. 内容与主题

除了技术层面的革新，现代艺术家们还在内容上进行大胆探索。例如抽象表达主义者，如克哈姆斯基（Wassily Kandinsky），他们将抽象作为一种直接表达内心情感的手段，从而超越了具体对象或场景描绘。在这一过程中，他倡导“无意识”写作，即通过纯粹色的组合来激发潜意识中的图像，并让它们成为真正意义上的“动态”图案。

3. 艺术品质

随着时间的推移，对于美学本身所持有的定义也发生了变化。一群叫做后modernist或者postmodernist的人类认识到了所有事物都有其历史性，不同文化背景下的解释方式各异，因此他们提出了一个问题：是否存在绝对真理？这样的思想促使一些人寻找其他形式去表达自己，比如说使用日常生活中的物件或是文字来创造作品，这种行为被称作混媒(mixed media)或者多媒体artistry。

4. 社会参与与公共空间

最后，但并非最不重要的是，一些当代艺人正在改变公众对于“高雅”的看法，将它带入到街头巷尾，使得每个人都能成为一个博物馆或画廊里的观众。这意味着，在某种程度上，“谁有权决定什么才算是‘好’？”的问题变得更加复杂，因为每个人的审美都是由他/她的经历所塑造出来的一个独特集合。

总结来说，无论是在技术上的创新还是内容上的拓展，或是在关于质量评估以及社交参与方面，都有大量证据显示当前时代的人民并不满足于简单重复过去曾经成功过的事物，而是一直追求那些能够引起共鸣并且打破常规模式的事物。因此，我们不能只局限于那些曾经被认为完美无缺的事情，而应该不断地去发现新世界、新感觉、新想法，让我们的眼睛看到更多未知领域，让我们的灵魂得到触动。这就是为什么我们今天仍然继续谈论“挑战”，因为这个话题永远不会结束，它只是持续向前推进的一部分历史长河。