在人类历史的长河中，艺术这一词汇经历了从古希腊到现代社会的漫长演变，其含义和概念也随着时间和文化的变化而不断发展。今天，我们将探索“艺术”这一术语背后的哲学思考，以及它是如何通过实践得到定义和完善。

首先，让我们回到古代。古希腊人对美与创造力有着深刻的认识，他们将这两者视为理想化的人类行为的一部分。在他们看来，艺术不仅仅是手工艺人的技艺，更是一种精神追求，是一种对美好事物的追寻。这种观念直接影响到了后来的西方文化，对于“艺术”这一词汇所赋予的情感意义产生了深远影响。

然而，与此同时，“技术”这个词也开始出现，它代表了一种更为实际、更为精确的手段。在某些情况下，这两者被视作互补，而在其他情况下，它们则相互矛盾。例如，在文艺复兴时期，雕塑家们使用数学原理来创造出更加真实、更加自然形象，这一过程可以说是在技术与审美之间找到了平衡点。

但即使如此，“技术”的存在仍然引发了一系列关于什么才是真正“艺术”的讨论。这一问题最终导致了一个分歧，那就是把真正属于大师级别作品归入一种抽象、高尚且难以触及的心灵体验。而对于那些能够简单地表达某个情感或思想的人来说，他们通常会被认为没有达到真正的“艺术”。

现在，让我们转向现代社会。在当今世界里，“艺术”这个词汇已经变得更加广泛，并且包含了越来越多不同的形式，从绘画到音乐，再到文学，每一种都试图通过自己的方式去理解和表达宇宙中的本质。

因此，当我们谈论“藝術一詞之來源”，我們不能只停留於單一時間點或單一文化背景上，而應該將其視為一個動態過程，一個隨著時間推移與不同文化交流交融而逐漸發展起來的事實體現。此外，這個過程並非孤立進行，而是受到哲學思考以及實踐活動共同影響的一種複合體現。

這裡有一個關於語言遊戲與想像力的交會點——跨越千年的藝術命名之旅，其中包括從技藝走向審美再轉變為技術至精神層次上的迴圈循環。一方面，歷史上許多重要人物如柏拉圖、亞里士多德等人對於「藝術」這個詞彙有著獨特見解，他們試圖透過文字來界定什麼才是真正屬於「藝術」的內容；另一方面，有些則通過創作實踐去展現他們對「藝術」的理解，如米開朗基羅、達芬奇等人用繪畫傳達出無聲之聲，用色彩描繪出無言之語。

總結來說，從古希臘到現在，“artistic”這個字眼經歷了巨大的變化，並且每一步都伴隨著哲學思維與實際創作相互作用。如果我們想要了解當前的狀況，我們必須回顧過往，並考慮未來可能帶給我們新的觀念。我們需要認識到，這場長達幾千年的討論遠未結束，它正持續進行，並將繼續為未來世代提供靈感和挑戰。