中国美术作为中华文化的重要组成部分，具有悠久的历史和深厚的底蕴。从远古岩画到近现代油画，从工艺品装饰到抽象表现，这一领域在时间的长河中经历了无数次变革与创新。在这篇文章中，我们将通过六个关键点来探讨中国绘画艺术从产生至今所经历的大事记。

首先，中国绘画艺术源远流长，其起源可以追溯到新石器时代，那时的人们开始使用洞壁、岩石等自然物体进行简单的手迹留存。随着社会发展和文化交流，逐渐形成了一套完整而独特的绘画体系，如山水、人物、花鸟等题材，以笔墨为核心展现出鲜明的人格特色。这一时期，雕刻、陶瓷等工艺品也常常融入绘画之中，为后世提供了丰富多彩的情感表达。

其次，在秦汉时期，由于文字记录更加普及，便出现了书法这一新的艺术形式，它不仅是文学作品的一种载体，也成为了一种独立存在且受到推崇的艺术形式。书法家们通过对字形结构精细调整和笔力运用，将语言内涵转化为视觉上的审美享受，使得文人墨客更能以写作表达心声，同时也推动了民间教育水平提升。

再者，在唐宋时期，尤其是盛行于唐朝末年至五代初年的“大写意”风格，对后世影响深远。大写意代表一种自由奔放的心态，它突破传统严谨规则，让笔触飞扬，有如诗歌般情感充沛。同时，此时期还出现了“四大家”——李白、杜甫、高适、何遹，他们以诗词著称，其作品不仅展现出高超技巧，还透露出浓郁的地方色彩，为日后的山水甲骨文创作奠定基础。

接着，在明清两代，以吴道子、大观楼杨万里为代表的人物主义风格兴起，他们对人物画像有着极高要求，不仅注重外貌，更强调内心世界和心理状态。这一阶段还见证了版章印刷技术进步，这使得手稿复制工作变得更快捷，便利更多人接触书籍知识，同时也促进学术思想交流与批判性思维能力提高。

此外，近现代以来，由于西方列强入侵东亚地区以及民族危机导致国内经济社会巨变，加速了中国美术走向西方化道路。而在这种背景下，一些国粹主义者提倡学习并融合传统文化元素，如鲁迅先生提出的“自信”的概念，他认为要在接受西方影响的情况下保持自己原有的身份认同。此举鼓励许多艺术家将传统元素融入当代生活，而非完全否定或抛弃之，因此产生了一系列革命性的作品，如郭小棣《春秋》中的草木兰竹，以及陈寅恪《夏夜游》的几何构图，都试图重新定义中国美术意义上的本土性与国际性之间平衡点。

最后，我们不能忽略20世纪60年代之后，无论是在政治还是文化层面上都发生重大变化，这对于中国美术又是一次深刻洗礼。在这期间，一些前卫实践团体如红卫兵运动虽带来了混乱，但同时也有助于打破旧有的封建束缚，使得一些新生力量得到释放，比如张弧那类纯粹直观的情感描写，或许让我们看到了一个新的未来方向，即使这些努力未必总是成功，但它们却开启了解决方案寻找过程，并给予后来的几个十年提供勇气去尝试各种可能性。

总结来说，从古至今，每个时代都有它独特的问题意识与解决方案，而这些都是历史不断演变的一环。在这个过程中，“什么是真正好的’国粹’？”、“如何处理‘国门’开放后的边界问题？”一直都是人们思考的话题。但正因为如此，这一切才能够不断地被发掘，被创造，被继承，最终成为今天我们眼前欣赏到的辉煌景致。