在这个世界上，艺术是一种语言，它能够跨越文化、时间和空间的界限，用一种独特而强烈的方式来表达人们的情感和想法。美术教育作为一种重要的艺术传承方式，不仅仅是教授学生如何画画或雕塑，更重要的是培养他们对美的感知力，以及将这份感知转化为作品的心理过程。

1. 美学基础

首先，美术教育需要从最基本的美学原则入手，这包括对线条、形状、色彩、光影等元素的理解。这些都是构成一幅图像或作品核心内容的手段，而它们之间相互作用所产生的一系列变化也是创作中的关键。在学习这些基础知识时，教师往往会通过实际操作让学生亲身体验，比如尝试不同的笔触来表现物体轮廓，或是在颜料中探索色彩间关系，从而深化对艺术语言本质的认识。

2. 艺术史与理论

其次，是了解历史上的各种风格及其背后的思想。这不仅能帮助学生更好地理解不同时代的人们如何看待艺术，也能激发他们自己对于未来艺术可能发展方向的一些思考。例如，了解古典主义、中世纪哥特式至现代抽象表现主义等不同的风格，对于一个想要成为真正有深度作品创作能力的人来说，是必不可少的一个环节。

3. 技巧训练

技术训练是任何专业技能提升过程中的关键部分，无论是绘画还是雕塑，都需要不断地实践以提高技巧。而且，这个过程中还涉及到材料选择的问题，比如选择合适的手工艺工具或者材料，以便更好地实现自己的视觉效果。此外，还包括了书写技巧，如水墨画中的“活泼生动”以及油画中的“厚重浓郁”。

4. 创意与想象力

但除了这些具体技能之外，最宝贵的是培养学生们那颗充满梦想和希望的心脏，那种无边无际的想象力。在这里，我们不只是在教给孩子们怎样使用工具，更是在教给他们去发现新事物、新观点，让他们把生活中的每一个角落都变成一幅新的图景。一旦掌握了这一点，他们就能够自由自在地穿梭于现实与幻想之间，将那些看似平凡的事物打造成具有生命力的存在。

5. 心灵交流

最后，在所有这些学习之后，最终目标仍然是让学生能够将内心世界通过作品传递出去，让人看到并感受到那份情感。这意味着我们要去探索人类的情绪表达方式，把它们转换成可以被他人共鸣到的形式。这是一个非常微妙又复杂的事情，因为它要求我们既要有足够的情商，又要有足够多的话语。如果没有这两者，我们就无法真正地达到我们的目的——即使技术再高超，但如果没有正确的情绪导向，那么整个工作都会显得空洞无味。

总结：

因此，当我们谈论到“美术教育主要学什么”，答案远远超过简单直截了当的地理位置或科技知识。不，它包含了一切关于人的情感表达，一切关于生命意义寻求的一切。它是一个包容一切可能性的大海，而非只有一条确定的小路。当你踏上这条道路，你会发现自己不再只是在学习一些技能，而是在追逐那个永恒未知却又熟悉得很——你的内心的声音。你是否准备好了，与这个旅程一起冒险呢？