在艺术领域，关于“什么是艺术？”的问题似乎永无止境。不同的人有着不同的理解和定义，这使得这个问题变得既复杂又迷人。我们可以从不同的角度来看待这一个问题，并尝试将其分为五种基本的说法。

首先，我们可以从传统意义上来说，艺术是一种创造性的表达形式，它能够通过视觉、听觉、触觉等感官刺激人的情感和思想。这一定义强调了艺术作品通常具有审美价值，而不仅仅是实用性。例如，莫奈的《睡莲》系列以其独特的色彩运用和构图，被广泛认为是现代派绘画的一个重要里程碑，不仅展现了画家的技术水准，也深刻影响了后世对自然之美的认识。

接着，我们还可以看到一些更偏向于功能或目的论上的说法，比如人们认为某些作品虽然不是出自专业画家之手，但却因为其独特性或者与历史背景相连而被认作是非凡之作。这类作品往往凸显了社会文化层面的价值。在中国古代壁畫中，就有很多民间工匠们基于宗教信仰或家族传承制作出的壁画，尽管它们在技艺上可能并不完美，却因其所代表的情感和故事而被后人珍视并且保护至今。

第三个观点来自于哲学领域，对于“什么是真正意义上的‘好’”进行思考。有些人认为最好的艺术品应当包含某些普遍可接受的事物，如对人类经历（如悲伤、爱情）的真诚表达，或是在表现力上超越常规，以此来证明它具有跨越时间和空间的心灵共鸣。拿破仑·奥尔梅茨（Napoleon Orda）的一幅描绘耶路撒冷街头风景的小油画，就是这样一种例子，其平静而宁静的情景，让人回味那段历史时期的人文关怀。

第四种说法则更加偏向于当代流行文化中的个人主义倾向，即任何事情都能成为“藝術”，只要它被一个人称为如此，那么它就是那么回事。而这种态度促进了一场文化大革命，在这场运动中，“一切都是藝術”的口号成为了标志之一。但这一说的缺乏界限也引发了一些争议，比如把垃圾堆作为公园里的雕塑是否真的算作一种新的形式？

最后，一些理论家则主张要考虑到心理学层面，他们提出：“如果我感觉到了东西，那么就存在。” 这意味着即便没有外部标准来衡量或确认这些东西是否符合传统或通用的定义，只要它能唤起内心的情感反应，就足够成为一种有效的交流方式。比如，安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的流行文化插曲——他使用电视机作为媒介创作作品，也让我们重新思考了关于“什么叫做‘有才华’”的问题，因为他的行为挑战了我们对“高雅”、“低俗”之间界限的认知。

总结来说，每一种定义都提供了一扇窗户，让我们窥见不同时代、不同文化下的众多形态化面貌，从而丰富我们的视野，同时也提醒我们不要忘记那些曾经帮助形成这些观念的心理过程以及历史背景。此外，无论哪种说法，都需要不断地去探讨与分析，以确保我们的理解不断更新，为未来带来更多惊喜与启示。