艺术教育不仅仅是学习绘画、雕塑或音乐的技巧，它更是一种全面发展个人的过程，涉及到情感表达、创造力培养以及批判性思维。因此，在构建一个完善的艺术教育体系时，我们需要考虑多方面的问题，特别是在理论与实践教学之间找到恰当的平衡点。

首先，要了解什么是艺术教育包括什么专业。这一问题对于教师而言尤为重要，因为他们需要根据学生的兴趣和能力来制定合适的课程计划。通常情况下，艺术教育可以分为几个主要领域：视觉艺术（如绘画、雕塑）、音乐、戏剧和舞蹈。每个领域都有其独特性，但它们共享一些基本原则，比如创造力和自我表达。

然而，即使这些专业都是基于相同的人文精神进行探索，他们在实际操作中也存在差异。在视觉艺术中，学生可能会学习色彩混合法、形状构图等技术，而在音乐领域，则可能涉及旋律编排和音响学知识。此外，戏剧和舞蹈还包含了台词记忆、动作指导等技能训练。

那么，在这种情况下，我们如何将这些不同的专业元素融入到一个整体的课程框架之中？答案在于平衡理论与实践教学。理论部分提供了基础知识，让学生理解不同类型的美术作品背后的理念，这些理念对他们自己创作作品至关重要。而实践则让学生能够通过亲身体验去应用这些概念，从而提升自己的技能水平。

例如，如果我们正在教授一门绘画课，那么理论部分可能包括讲解色彩渐变规则或者光影处理技巧，而实践部分则要求学生亲手尝试用颜料搭配来实现某个效果，或是尝试捕捉光线变化造成的情感氛围。这两者相结合，不仅能帮助学生掌握绘画技巧，还能激发他们对美术世界更多深入思考。

当然，将这一平衡应用到所有学科并不容易。教师必须不断调整自己的教学方法，以适应不同年级和背景上的不同需求。此外，他们还要确保每个项目都充满挑战，同时又不会过于压倒性的，这样才能促进学习者的成长。

此外，与现代科技相结合也是当前数字化时代下的另一个关键因素。在传统艺廊里，你可以欣赏古老的手工艺品，但现在人们越来越多地使用电脑软件来创建新的风格。而作为教师，我们必须学会利用这些工具来增强我们的教程，使得学习更加互动、高效，同时保持那些传统方法所带来的灵魂触摸不受影响。

总结来说，在设计好文章中的各项内容后，最终目标仍然是为了培养出具有独立思考能力并且能够自由表达自我的人才。在这个过程中，无论是具体分析哪些专业属于“艺术教育”还是讨论如何达到最佳的理论与实践之间平衡，都应当始终牢记这一点，并以此为核心指引我们的行动步伐。