艺术一词最早来源于古希腊的美学

美学之父：柏拉图与亚里士多德

在探索艺术一词的源头时，我们必须回到古希腊，这个时代孕育了西方哲学和文化的许多重要思想家。其中，柏拉图和亚里士多德被认为是美学领域的奠基人，他们对艺术产生了深远影响。

柏拉图相信，真正的美不仅仅是外表上的光鲜，而是内在道德品质和精神价值的一种体现。他通过他的理念论来解释审美经验，将真实世界中的事物视为观念世界中更完美、更本质的形式。在他的作品《 Symposium 》中，他将爱情视作灵魂升华到知识层面的过程，并将此与审美体验联系起来。

相比之下，亚里士多德则更加关注自然界中的比例和秩序。他提出了“辨识”（mimesis）概念，即艺术作品通过模仿自然界来反映现实世界。然而，亚里士多德也强调了创造力在艺术中的作用，他认为优秀艺术家能够超越模仿，用自己的方式创造出新的东西。

艺术与理想：从古希腊到文艺复兴

随着时间的推移，从古代希腊传统到文艺复兴时期，欧洲文化经历了一系列转变。尽管这一切变化都没有打破对高雅、比例以及人类尊严价值观念的重视，但他们确实在理解和定义“艺术”的基础上进行了不断地修正。

文艺复兴期间，一些关键人物，如Leonardo da Vinci 和 Michelangelo 将个人技巧与神圣主题结合起来，他们追求的是一种全新的表现手法——再现生活但以抽象或装饰性形式呈现。这场运动不仅改变了绘画、雕塑等各种媒介，而且对于后来的现代主义运动至关重要，因为它展示了一种可以跨越传统边界并找到新方法表达自我的人类愿望。

现代主义与抽象：挑战传统定义

到了19世纪末20世纪初期，当欧洲进入现代主义时期，“现代性”开始对我们的理解产生影响。这是一个实验性的时代，不断挑战前人的规则和标准。一些如 Pablo Picasso 和 Salvador Dali 等先锋派画家使用非传统的手法，如立体化或者超现实主义，以完全不同的方式去描绘事物，这使得人们开始重新思考什么才算是“真正”的艺术？

这个时候，对于一个单一、一致、一成不变的事物寻找定义变得愈发困难。当我们试图把握这种无形而又充满可能性的事物，我们发现自己必须面对一个问题：“是否存在一种普遍适用于所有文化背景下的‘好’？”答案似乎是在于每个人根据自己的感受选择所谓“好”。

后现代与批判理论：重新考虑审查标准

随着时间流逝，我们继续深入探讨这些问题。在后现代阶段，“真诚”、“精准”甚至“意义”的概念都受到怀疑。在这段时期，一些理论家，如Michel Foucault 开始提出批判性的看法，比如说权力如何构建知识结构，以及如何影响我们的日常生活包括我们的审美偏好。

当我们看到电影像是一种叙述故事的手段，就像历史一样，它们都是关于过去事件的一个版本；当我们欣赏音乐，它们不是简单的声音排列，而是一套符号系统，那么我们就不能再忽略社会力量如何塑造我们的感知能力。此刻，对于什么样的事情可以被称为“伟大”，以及这样的评价基于何种信仰体系，都显得尤其有趣且具有挑战性。

当代文学批评：全球化视角下的争议

今天，当谈及“伟大的作品”，国际文学评论家之间仍然存在分歧。有些人可能会坚持某些地区特有的文学风格或主题，而另一些人可能会倾向于跨文化交流，从而激发出全新的文学趋势。但即便如此，无论我们身处何地，我们都会发现，在探讨任何形式的情感表达时，最基本的问题依旧悬挂在空中：“是什么让你感到震撼？”这个问题触及核心——即那个动员我们去创建并欣赏任何类型工作的心灵需求及其表现形式。