在探讨“美术教育主要学什么”时，一个显而易见的答案是绘画技巧、色彩理论和材料使用等基础技能。但是，这些技术性的知识并不是孤立存在的，它们都是建立在对历史发展、文化背景和艺术风格的深刻理解之上的。因此，视觉艺术史作为一门重要课程，不仅能够帮助学生理解现代艺术作品背后的历史脉络，还能激发他们对创作过程中的创新思维。

1. 了解历史：美术教育中的时间线

从古代到现代，从东方到西方，每个时代都有其独特的审美观念和表现手法。学习这些不同的历史时期，可以让学生认识到不同文化背景下如何影响艺术作品，以及它们如何随着时间演变而改变。这种跨越千年的旅程不仅丰富了学生对于世界各地文明的认知，也为他们提供了分析现实世界与过去相似或不同方面的一种工具。

2. 理解文化：民族特色与多元化

每个国家、地区都有其独有的民族特色，这些特色体现在语言、服饰乃至建筑上同样体现在人们创造出的艺术品中。在美术教育中，通过学习各种民族及地方性传统，我们可以更好地理解人与环境之间以及不同文化间相互影响的心理机制。这对于培养具有国际视野的人才具有重要意义。

3. 分析风格：从古典到现代

审查过往几百年的艺术发展历程，可以让我们看到不同的风格涌现，如自然主义、中庸主义、新自由主义等，并且这些风格经常交织出新的形式和内容。通过研究这些变化，我们可以学会如何将传统元素融入当代创作，同时也能够识别新兴趋势，为未来的设计师提供灵感来源。

4. 创造力激发：模仿vs原创

在学习具体画家的作品或特定的流派时，学生被鼓励模仿，以此来掌握技巧并加深理解。但同时，他们也需要学会区分模仿与真正的原创工作。这要求他们对已有的知识进行思考，并将之融入自己的生活经验中，从而产生新的见解和想象力。此外，对于那些希望成为职业画家的学生来说，这种能力尤为关键，因为它代表了他们是否能在竞争激烈的市场中脱颖而出。

5. 社会意识提升：反映社会问题

许多伟大的艺术家利用其作品来反映社会问题，如工人权益、女性平权甚至全球气候变化等话题。而这也是为什么教科书里会包含大量关于政治宣言般强调的问题——因为它们不仅是当下的议题，而且还是未来世代可能面临的问题。在这样的教学背景下，学生不仅学到了专业技能，更学会了关注周围世界的情形，而这是任何行业都难以缺少的一项素质。

总结：

视觉艺术史是一个广泛且深邃的话题，它结合了技术训练、情感表达以及思想探索，是培养全面人才必不可少的一环。在追求优秀绘画技艺的时候，不要忘记我们还应该去领略那些伟大前辈留给我们的宝贵遗产，同时保持开放的心态迎接未来的挑战。不论是在学校还是日常生活，都应不断提醒自己，无论你走向何处，都带着那份厚重而丰富的地球精神去行走吧！